.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
导读：画员工技能矩阵图四分图的方法如下：1、确定要在矩阵图中表示的四个维度。这些维度可以是员工的技能水平、专业知识、工作经验、沟通能力等。根据需求和目的，选择适合的维度。2、在纸上或电脑上创建一个坐标轴，横轴和纵轴分别代表两个维度，根据坐标轴，将
画员工技能矩阵图四分图的方法如下：
1、确定要在矩阵图中表示的四个维度。这些维度可以是员工的技能水平、专业知识、工作经验、沟通能力等。根据需求和目的，选择适合的维度。
2、在纸上或电脑上创建一个坐标轴，横轴和纵轴分别代表两个维度，根据坐标轴，将整个图分为四个象限。根据员工的技能水平和其他维度的评估，将每个员工在图中标记出来。可以使用不同的符号、颜色或大小来表示员工在不同维度上的表现。为了更清晰地理解图表，可以在图表旁边添加说明。
3、员工技能矩阵图是一个动态的工具，需要定期更新和维护。随着员工的发展和变化，及时更新图表，以保持准确性和实用性。
你想问中国动画怎么样？下面这是复制别人的，如果说中国动漫界怎么样，看看再说吧。
备注id：隆中貂蝉
我在一个动漫基地中心做了一段时间 和你谈谈把
其实中国画漫画画的好的大有人在 只不过中国人在这点上有些愚蠢
始终认为动漫是小孩子在胡闹 没有将动漫看成一种产业
近几年来有所改善 有几个城市成立了专门的动漫基地
别说动画 就是一部漫画画出来也不是一个人能完成的
最简单的比如人物 动作 分格 背景 等等 在日本一般都是由不同的人来完成
也就是说 一个真正的漫画家的背后应该是有一个专门的助手团
而中国现在的画漫画的人有几个请的起助手呢 只有一个人来做全部工作
当然就比别人做的粗糙咯 这也是没办法的事情
举个最简单的例子 就是 我为歌狂 漫画画的时候就是由好几个人完成的 还勉强过关 到了动画就不行了 烂的要命 做的还不如阿童木这个几十年前的日本动画 原因就是人数太少 可能也有资金的问题 所以画的祯数也就多不起来 人物也就越发死板
这都是因为中国不重视这个 没办法的 中国的动漫再过一百年也是超不过日本的 真的 倒不是因为崇洋媚外 说个事实 老板都不重视员工再怎么弄也没用
看到你对这个**这么期待 我真是感到担心你还不如怀着"这个很垃圾"的心情去看 说不定还有点意外的收获- -|||
以下是网络资料
制作一部卡通**是相当费时费力的的，在这里我们可将这个过程分为十七个步骤（传统**或电视卡通的制作过程） 。
企划
文字剧本
故事脚本
造型与美术设定
场景设计
构图
背景
原画
动画
品管
影片描经
定色与着色
总检
摄影与冲印
剪接与套片
配音、配乐与音效
试映与发行
一制(此部份仍由人工制作)
1、企划：企划是做一部卡通前的准备工作，包括举行企划会议和制作会议。
企划会议---就是把出钱要做这部片子的人和卡通公司的人、以及负责将来要把这部片子卖出去的发行公司，甚至玩具制作商等相关的人都召集在一起，讨论要怎么样做这部片子，要怎么样发行这部片子，有没有周边的商品可以开发等，当然最好的状况就是把片子做得又好看、又赚钱，这就必须要靠不同专长的人结合在一起规划，才能将片子做成功。
制作会议---在前面的企划会议当中，其实也要把一些制作的基本内容方向画出来，然后再由卡通公司召开技术、进度、设计方面的会议。
2、文字剧本：不论是自己发明的故事，或将别人写过的故事拿来加以改编都可以，一定要具有卡通的特色，就是有一些好笑、有一些夸张、有一些紧张、又有一些感动，那么这个故事就会受到大家的欢迎。当然，不要忘了要把对白和动作、场景写出来。根据制作会议所得到的资料，作家开始编写剧本：
人物出场要写清楚、位置环境、形状大小都要正确明白
对白要准确的透露角色个
动作也要明白的写出来，才能提供文字画面给脚本画家
绝对要能使动画家有所发挥之处
历史剧要有考据
服装、道具、建筑、自然物…等都要将形状写出来
3、故事脚本：文字写好之后，就要画成画面，但它并不是真正的动画图稿，它只是一连串的小图，详细的画出每一个画面出现的人物、故事地点、摄影角度、对白内容、画面的时间、做了什么动作等。这个脚本可以让后面的画家明白整个故事进行的情形，因为从「构图」之后的步骤，就开始将一部卡通拆开来交由很多位画家分工绘制，所以这个脚本一定要画得越详细越不会出差错。
将文字剧本详细读过，经由动画家以卡通语言再整理消化后开始绘制分镜脚本
人物位置，地理环境都要画出
场景要十分清楚
对白、动作、音效、秒数都要写好
镜头运用、特效（如透过光、高反差…）也须注明
脚本绘制工作最佳人选应当由对**十分了解的卡通导演担任
视线、进出场方向、观点都要画得很顺畅
4、造型与美术设定：造型设计就是根据故事的需要，将人物一个个设计出来，而且还要画出他们之间的高矮比例、各种角度的样子、脸部的表情、他们使用的用品等。
美术设定就是一种视觉上的感受，包括色彩、明暗、透视感、线条等，这整个就构成了一部片子的「美术风格」，像「龙猫」的感觉就很温馨、青翠、舒适，这种风格很适合用来表现亲情之间的故事，而「蝙蝠侠」就是一种夸张、压迫、强烈的感觉，用这种风格来表现正义与邪恶间的对抗非常的适合。
主角、配角与丑角要有很明显的差异（比例或服装、颜色、五官…）
应考虑动画或下游作业是否会有困难（不可太复杂、琐碎）
造型与美术风格要配合（形状、色调、考据）
美术设定乃根据故事朝代、文化、背景，设定出该时代文化的建筑装饰、器物、都市街景…等，或不必考剧历史时，则可根据故事需要设定出不同风格的内容
服装和人物个要配合，并需同时将颜色配合美术设定色系指定好
6、构图：「构图」顾名思义就是画面的构成，也是一部卡通要正式生产的第一关，前面的企划是属于设计部分，这些设计好的造型、场景和脚本，要交给构图师作画面的设计，根据脚本的指示和说明来画出详细的作来图，包括人物从哪里移动到哪里、人物简明的动作表情和站的位置（背景铅笔稿）、镜头的角度和大小、镜头如何移动，也就将来我们在电视上看到的画面。
有了脚本造型、场景设计，就要请一位有经验的动画家，担任导演统筹运作这部片子的风格与品质管制。首先，他要将脚本上的演出详细告诉构图师，并发给上述资料，每一位构图师约要完成数十景的构图设计（即将脚本画面移转到可供生产制作的动画纸上）：
画出和脚本上所示同样的角度或姿态的人物，并依照对白长短增加人物姿势(POS)这些姿势都具代表，可表达出该一景的表情、动作、位置、角度、进出场方向…等
画背景图，让人物可以自由的在背景中运动，并标出和人物组合的位置，白天或夜晚，有没有前景（OL）、家具、饰物、地板、墙壁、天花板等结构都要清楚画出
使用多大的画面（安全框），镜头推拉等也要标示出来
7、背景：前面说过的构图师所画的那张背景铅笔稿，就是交给背景部门来完成彩色的绘制工作，背景会根据「美术设定」的风格和要求来画，他不是随自己意思画的。 构图将人物部份交由原画根据构图上所示的人物代表姿势与表情、位置…等作动感演出，而背景（BG）部份则交由背景师去绘制成彩色稿，并由颜色演出的动画家来控制色调变化。
8、原画（含第一次铅笔稿试拍）： 画面由构图设计好了，就要分两部份作业，前面的那张「背景铅笔稿」要交给背景师画成很漂亮的彩色稿，而人物的那一张就交由原画师作一连串精彩的动作表演，原画就是演员，要将卡通人物的七情六欲和格表现出来，但原画不需要把每一张图都画出来，只需画出关键张就可以，其余交给动画师去画。
构图完成后须经导演检查（CHECK），修改到符合故事要求为止，再将完成的构图、脚本、造型资料，分段（每段约数十景）发给原画师去演出动作的部分，并指示原画师该表演的重点：
视线、动作方向、夸张、速度（TIMING）、人物透视、人体力学
运动的距离、推拉镜头的速度与距离都要算出
将演出的动作和画面的处理写在律表上（EXPOSURE SHEET）
在律表上也须注明淡出（FO）淡入（FI）、重叠（X－DISS）的位置与长度、使摄影师能依据律表拍摄原画呈现出来的，是将平面的人物赋予生命与个，并配合背景（BG）使两者结合在一起将原画所完成的草图交由拍摄人员进行第一次铅笔稿试拍，再请导演审核。
9、动画（含铅笔稿试拍）：动画师就像原画的助手一样，要替原画完成所有动作的连贯（也就是中割或分割），动画师还要将所有的动作图稿作「完稿」。
所谓的「中割」就是原画与原画之间的插入张作来，因为原画只把一个动作拆成几个重点姿势，所以是跳着画的，因此中间会有中断动作需要插入，动画就是负责把间断的动作补起来，这个补起来的工作，就叫「中割」。
原画通过导演检查后就由「制片进行」。工作人员将原画分成一景一景交由动画师去完成原画所设计的动作，例如，原画将一个动作只画了开始和结束这二张，中间的过程就是动画， 动画一方面要根据标准造型作画，另一方面在原画所示的动作空间中去作演出，画好后再由动画检查去作审核：
是否变型了？中割是否正确？动作是否顺畅？
有没有正确的传达了原画的原意？
交由拍摄人员进行铅笔试拍（PENCIL TEST），再请导演做最后审核。
二制((目前此部份已由电脑取代,即一般所谓的2维动画)
10、品管：「品管」就是品质管制，其实卡通里的每一个过程都有负责把关的人。 例如：
制片：负责片子能如期的完成，并掌握个每个画家的进度，以及担任画家和行政部门之间的连络协调，使制作部门和行政部门间能顺利的运作。
导演：就是负责指导画家们所画出来的画面，能够符合的要求，因为一部卡通要几百个画家来绘制，如果没有导演来领导的话，就会变成个人画个人的，每一个人画的都和别人不一样，那这部片子就会失败，所以导演的工作就非常重要，当初，要当到导演，通常都是很有经验的画家才有这个能力的，例如构图导演、原画导演、美术导演等都是。
指导或组长：例行动画指导、摄影指导、着色组长、特效组长、剪接组长、总检等也都是负责不同的范围的品质管制。
品管员（CHECKER）完成的动画再经由品管员作非技术的检查：
1）原画所写律表是否正确无误，如：拉背景的距离、动画的层次、有无遗漏了什么与脚本核对是否都正确等。
2）标示动画上的一些名称与不同层次的颜色，以利着色。
11、影印描线：检查好的动画一景一景的交给影印部门，将动画纸下的线条影印在透明的赛璐璐片）上，如有某部份须以色线表现时，则必须用人工手描线描上色线（用沾水笔），印好或描好的赛璐璐片，必须用酒精擦拭干净，然后再用很薄的一层透明纸保护好，送到着色部准备涂上颜色。
12、定色与着色：即喷修或刷的特殊处理。描好线的赛璐璐片要按照动画号码排好，然后交由着色部先定好颜色（在每个部位写上颜色代表号码），再用压克力颜料不是透明的，如果涂在正面的话，就会把动画线条盖过去，为了保留线条，所以必须将颜料涂在背面。
13、总检：就是将涂好色的赛璐璐片和彩色背景套在一起检查，看看有没有瑕疵或错误，也就是送往摄影之前的最后把关。 颜色涂好的CEL，再和画好的背景彩色稿，一起交由总检人员作最后的检查，将CEL套在背景上一张一张的检查：
颜色是否正确？和背景的组合是否正确？
定位孔是否正确？张数缺失了吗？
画面都干净没有刮伤吗？
14、摄影与冲印：现在可以将所有的完成品交给摄影师，进行每个画面的拍摄工作，摄影师完全根据前面的画家所写的「拍摄表」（律表）拍摄，只要拍错其中一格，就要整段戏重拍，所以要非常细心。拍好的底片要送到冲印公司冲洗出来，就可以看到画家画的动画变成影片里一格一格的35mm画面，这时候冲洗出来的片子因为只有画面没有声音，而且有些画面的顺序还需调整，所以这只是「毛片」。 检查无误的CEL、背景和律表一起交由摄影人员去拍摄完成，某些特效处理如：FADE IN(淡入）、FADE OUT(淡出）、DISS（叠影）、SS(震动）、WIPE(扫）、透过光、高反差、旋转画面、TRUCK IN（推入）、TRUCK OUT（推出）、PAN（拉BG）等效果均由摄影师依据律表指示加以完成。
15、剪接和套片：接着把这几千呎长的毛片交给剪接师，按照正确的画面长度接好成为一标准的版本，这就是剪接。一标准版本，再冲印一套不需再剪接的标准版，也就是所谓的「套片」，这次冲出来的胶卷就叫「A拷贝毛片」，是只有画面没有声音。
16、配音配乐与音效：终于到了最后一关的声音部份，为了让每一位卡通明星拥有最棒的声音，往往要重金聘请知名的大明星来配音，像「玩具总动员」的伍迪警长就是由汤姆汉克斯配音。接下来就是配上音乐部份，为了能让观众享受最好的**配乐，也要聘请音乐家创作能流传下来的主题音乐，并由交响乐团演奏一流的背景音乐。而「音效」就是各种效果的声音，像风声、雨声、开门声、走路声还有挥出拳头的声音等。把这些声音和画面合成在一起之后，再请冲印公司冲出有画面也有声音的「B拷贝正片」或称「正式拷贝」，就完成了这件大工程。 美式作业通常为事前配音，式作业则为事后配音，事前配音须以对位法准确的将动作配合声音演出，配乐即片中的音乐部份也有事前事后之别，音效通常都是事后配音。
这是一个比较复杂的制作过程，原画是很简单的，并没有这样漂亮，当然基本要素已经齐全，最终效果都是在计算机上用软件修饰出来的。
转载：
首页发现小站线上活动部落见怪不怪的日记见怪不怪的主页广播相册喜欢二手活动发豆邮日本动画片制作流程2011-11-10 10:40:28日本动画片制作过程，点击看视频。
第一回：制前动画前的第一步
普通在进行所谓的动画制作之前，常有一段为时不短或有点痛苦的准备段阶。
制前的前面是「策划」
「策 划」又分为两种：第一种是在每一年度的策划会议里，动画公司的老板或有点伟大有点发言权的制作人看到一本颇有趣又出名的漫画或小说，觉得拍成动画应该会蛮赚钱的，于是就打电话给代理那本被相中的漫画或小说的代理商问问看是否拍成动画的权利已卖出。如果没有那就开始进行「有时长有时短有时痛苦有时快乐」的权利交涉。如果您在动画的片头一开始看到「原作」这两个字大都是属于这类型。
另外一种是动画公司旗下的导演或动画家们觉得自己天马行空胡思乱想不画画不按时交稿作白日梦的结果拍成动画应该颇有趣的就自己开始写策划书然后交给老板过目。幸运的，策划通过的话，就由老板或制作人四处奔波找金主啊，不是，赞助商来一起响应伟大的策划。如果您在动画的片头看到「原案」二字大都是属于这类型。
交涉成功或策划通过后
让我们先谈原案企划通过的状况下动画公司的下一步骤。
动画公司基本上都没有独立制作动画作品的经费（不管是TV或OVA），因此动画公司想要作原案作品时最重要的是提出企划给赞助商，看他们有没有兴趣投资。如果赞助商对动画公司提出的新作品企划没兴趣或认为此商品没有市场价值，那么那企划100%不会再见天日。
相较于原案，原作的动画企划通常会比较容易通过赞助商那一关。因为原作基本上已有固定的顾客群，赞助商们比较有心理上的保障而愿意投资将原作改编成动画而由贩卖相关产品来回收投资。
那么企划以什么样的形式提出给赞助商呢？
以美国的制作公司来说，他们会先制作Pilot Film。所谓Pilot Film是指作品的精华短片，那是提出给赞助商说服他们投资时的主要利器。但是在日本，动画公司通常没有制作Pilot Film的经费往往是以纸张形式的企划书或脚本呈交给赞助商。因此在制前作业之前可能脚本就已经完成了。因为越让赞助商了解原案作品的“有趣之处”就越能打动赞助商的心而得到制作经费。
第二回：如何计算制作经费
理论上的计算程序很简单。
假设某一家影视公司估计一部动画作品（指一部30分钟的DVD）可卖1,000套，再假设一张DVD卖4,000日币。
1000套 x ￥4000 = ￥4,000,000
那4百万日币就是制作经费。分给各制作部门的经费通通包含在这4百万日币中。例如我们之后会介绍的动画导演、人物造型设计师、分镜图人员、主镜动画师、基层动画师、音乐设计、色稿人员、编辑人员、包装设计……等等等等。
这样说来，计算经费好象很简单。但是实际上，如何估计一部动画作品可销售多少套那就要靠影视公司制作人的销售经验，动画导演的知名度，人物造型设计师设计人物的魅力和声优的热门程度。
这些人为因素使得估计制作经费成为一件不是简单的事。例如某有名的导演导的动画**每一部都成为日本**票房纪录还会在国际影展中得奖，那么赞助商给他的制作经费就会高出其它作品很多。制作经费充裕之下他就可以多加镜头的张数，请较有名的声优或演员和音乐制作群来提高商品的知名度和宣传效果。
如果是一位没有「业绩」的新人，那么经费就可能比较少了。因为影视公司没有比较的基准（新人的业绩）所以对这新企划的投资会比较谨慎。
第三回：动画前期（脚本）
我们已大致在前几回说明了制前作业之前几个重要的步骤。从这一回开始，我们将要开始逐一说明制前作业的流程。第一个也是最重要的步骤是「脚本」。所有的人物设计、机械设计和美术设计及导演均要照着脚本来构图。因此在不管是什么样的企划，脚本在制作过程中占了相当重要的角色。
我们在第二回中提过脚本可能在企划案阶段就已经完成。那样的情况下，企划通过后脚本是否再度修正呢？这要看制作人和导演的意见。负责一部动画作品成败与否是制作人。因此，如果制作人对脚本有意见，脚本作家就要修改脚本。当然如果导演对脚本有意见而制作人也赞同导演的意见时，脚本的修改也是必然的。再者，虽然导演不同意初步脚本而制作人认为没有必要修改的话，脚本就不会被修改。
一般的动画公司都没有专属脚本作家，大部分是请自由身分作家（这些作家们有的是作SOHO 族，有的是和几位志同道合的作家成立工作室，如有名的Studio Orphy）来写稿。不雇用专属作家的原因是因为脚本并不是一年到头都需要的部门。所以只要在有需要的时候和脚本作家签项目契约即可。不过少数历史比较悠久的传统动画制作公司里仍然有专属脚本作家部门。
脚本的写作并不是一件简单的事。不同于小说的是所有的人物动作及感情都需要以旁观者的身分详细描述，例如一个角色很生气，由于每一个人生气的方法不同所以不仅要描述他如何生气也要非常详细地描述他的动作来说明角色的个性和特征（例如：太郎火冒三丈=太郎握紧了拳头，眼睛咪成一条线，额头的汗如何如何的滴下，头上的火如何冒三丈）。脚本特殊的写作方式使得一位小说家有时并不能成为好的脚本作家，而好的脚本作家也不多见。
第四回：动画前期二（导演的工作）
导演是整个动画制作群的领队。日本动画业界里没有一定的基准来评断做导演的资格。目前出名的导演们成为导演的过程都不相同，有些是从**业界转行，有些是从动画师做起，也有些是脚本作家兼导演，也有些是一开始就从事导演工作。大致上来说，动画初期时代的导演大部分是从制作管理参予动画制作多年后升格做导演或**业转行开始。但随着时代的迁移，目前大部分的动画导演都是由动画师开始做起。做导演的魅力在于可以自己决定作品的方向。但是由于导演决定一切，工作繁忙且作品的成败大任也在于导演身上。因此并不是每个参予动画制作的人最终目标在于做导演，而有心想要成为导演的人不管从什么工作开始，只要有心，成为导演并不是困难的事。
以下为导演们实际工作的大略内容:
1、制前作业：
和脚本作家及制作人敲定脚本
分别和人物造型设计师、机械造型设计师、美术设计师开会将各设计案定稿
制作分镜图（有时是副导演制作）
2、制作过程中要和副导演们谈每一集的制作方向
3、制后作业：
和剪接师编辑影片
指导声优们及音响导演制作出理想的效果
影像及音效合成
4、参予所有的宣传活动
第五回：动画前期三（分镜图和副导的工作）
以下为日本的分镜图（欧美多为横向的表格，您可以在美国的Cartoon Network网站中的Studio Tour的「Animation」项目中略知一二）。分镜图简单的来说是「以图像呈现的脚本」。画分镜图的时间靠制作日程表的不同而有长有短。平均26分钟动画的分镜图要花3个星期完成。分镜图不需要很正确的将人物造型画出来，只要能让之后的工作人员看的懂就可以了。尽管如此，分镜图师还是需要事先练习每一部作品人物造型和了解作品的特色才让原画师靠着分镜图正确的画出每一集副导演所需的镜头。
常常可以见到分镜图师和副导为同一人物。理由很简单。因为图面的设计人（分镜图师）通常是最了解每一个镜头需要的效果和声优演技来衬托出作品魅力的人。所以分镜图师大多兼副导的工作。
副导演基本上分担导演的重担。不管是集数较少的OVA系列或是26集的电视动画系列，导演一个人要顾全所有的制作细节是不可能的事。因此每一部动画系列都设了副导的位子来管理每一集的动画制作。而导演多半负责重要的第一集及最后一集。副导的工作内容除了不负责制前的脚本，设计稿和制后的宣传活动之外，基本和导演相同。但由于导演是整个作品的总指挥，因此在副导负责每一集的制作之前，副导所画的分镜图还是要经过导演的同意后才能正式分派工作给原画师进行制作。
第六回：动画前期四（人物设计和人物设计师的工作）
动画制作是一个需要密切配合的团体活动。因此一部好作品除了有好的脚本，经验丰富的导演。当然具有魅力的人物造型是使作品更吸引人的重要因素。在本单元的第一回我们曾解说过动画作品有两种-原作及原案。人物造型的设计也因此而有不同。
将原作漫画改编成动画时，因为人物及服饰已经定型，所以并不需要再多加设计。可是为什么每一原作动画还是标明了「原作人物设计」及「动画人物设计师」呢？
第一：漫画是静态的作品，因为格数少所以人物的线条及服饰可以复杂来加深作品的美感及印象。但是制作动画时，如忠于原作人物的线条会使作画的时间加长而延长制作时间及更多的经费。所以需要将原作人物的线条简化。
第二：漫画人物因为不必着色，所以不必将每一线条连结。但是动画需要着色，所以必须改良原作 人物造型将所有的线条连结以便着色人员上色。
第三：有一些原作漫画人物造型并不适用于动画作品。为了制作效率，着色上及动画造型上的理由，原作动画需要另外聘用动画人物设计师。
原案动画的人物设计是比较需要创意及困难的工作。原案人物的设计案在交给人物设计师设计时都只是文字及导演口头上的指令。所以设计师只有靠脚本及自己绘图的能力来凭空设计出能够衬托出作品故事魅力并令人印象深刻的人物。此外还要考虑到制作效率的问题而不能画出线条太复杂的人物。因此，就算资深的造型设计师也有可能花一段时间才能定稿。
制前作业的人物设计完成后的人物设计图（请参考「冥王计划」网站里所列出的人物造型设计）。将分发给原画师来进行每一个镜头的制图作业。一个人物的设计图分为三种：服饰设计图、脸部表情设计图及局部装饰设计图。所有的设计通常分为正面、侧面、背面及特殊表情（生气、悲伤或微笑等等）以便原画师仿真。
如何成为人物设计师呢？根据AIC的资深设计师们的说法：「很简单啊。一直练习一直画就可以了！」嗯，事实上不是那么简单。同样的一个人物，每一个人画出来的风格都不同，有些吸引人，有些就看来平淡无奇。实在要如同他们所说的需要一直练习和磨练才能显出不同的风格。而且光是女性角色或只有动物画的很好并不一定能作为动画人物设计师。人物设计师的重要条件是要能广泛的画好作品指定的每一种人物，也就是说设计师的绘画能力要很有弹性的能应付每一个作品的要求。如果能充分应付制作公司的要求，再加上自己设计的原创人物够吸引人,就能成为众所瞩目的动画人物设计师。
人物设计师们需要的工具可以由上的照片看出。制图桌、铅笔、橡皮擦和一叠白纸是最基本的配备。另外镜子是必需配备，因为人物的动作及部位有时需要看镜子里的自己来素描。其它的参考书籍及制图工具完全看每个人物设计师的需求，在这里就不详细描述了。
第七回：动画前期五（机械造型设计和背景设计的工作）
多年前还没有专门的机械造型设计师。大多是由人物造形设计师兼任或由比较擅长电器机械之类的动画师设计。从「宇宙战舰大」之后到「高达」才真正定位专业机械造形设计师。
机械设计师在动画制作上必须考虑到很多因素来设计每一部动画要求的机械造型。
第一：要在平时做很多的功课以满足接踵而来的多样的设计要求。
第二：要考虑到制作的日期及进度而设计「适当」线条的机械造型。所谓「适当」线条是因为如果线条多的话，虽然机器人或宇宙船看起来很COOL，但动画师们画好一个镜头的时间会相对加长。可是线条太少的话，机械人又看起来太简单没魄力，因此作设计时适当的线条是很重要的。
最后是对每一个动画世界的考察而了解并设计出能满足导演要求的机械战士或宇宙船。
要作为机械造型设计师的条件是必须有工业设计方面的知识及非常非常喜欢机械（例如汽车、摩托车、飞机、船……只要是金属做的）。
背景设计师比起机械造型来历史相当悠久，早从黑白卡通草创时代开始就有专业的背景设计师。背景设计师基本上要画的「又好、又快、又美」。那是我在这个单元一再提到的原因，动画制作的时间有限没有很多时间慢慢画，因此受欢迎的专业美术背景设计室动作都很快而且能应付紧迫的交稿日期。
如何成为背景设计师呢？这和作人物造型，机械造型师相同，要很爱画画而且躺着画也能画的很好（有点夸张，但动画业的时间很紧凑，能够在任何情况下一次OK的设计师虽然很少但相当受欢迎）。至于技巧或工具方面，你可以在网站的连结页里的背景设计公司「Corporation Kusanagi」里的「HowToPaint」专栏里找到绘制背景的所需信息。
第八回：动画前期六（色彩设计及色彩指定的工作）
所有的人物造型及机械造型设计完之后，导演及造型设计师们必须和色彩设计师共同敲定人物的色彩（头发、各场合衣服或机器人外壳的颜色……等等）。色彩设计必须配合整篇作品的色调（背景及作品个性）来设计人物的颜色。色稿敲定之后由色彩指定人员来指定更详细的颜色种类。
多年前还没有使用计算机上色时，是使用水彩颜料在白纸上来进行色彩设计。水彩颜料的色彩多半不由各制作公司自行调色，都按颜料公司提供的色卡和现成的色彩种类来设计。不自己调色的原因很简单，因为色彩设计之后要由着色人员们来上色，如果自己调色的话，要各上色人员调出一样的颜色是很困难的。当然导演要求及经费允许情况下，制作公司可以要求颜料公司制作出所需的颜色再瓶装分发给上色人员。由于颜色的种类在色彩设计过程之前已经由颜料公司指定了，因此多年前色彩设计师均兼任色彩指定人员。而许多动画的色彩也看起来都一样。
现在的动画色彩设计及色彩指定都使用软件来进行。各公司使用的软件（日本较盛行的动画专用软件为animo和RETAS！PRO）都不同，只要是处理影像的软件都可以进行色彩设计。要注意的是，各软件处理色彩的方式不同因此在交付给上色人员时要指定同样软件来着色。也由于制作方式的数字化以及选色的自由，使得目前的色彩设定选择范围加大及定出更为细腻多变化的色彩。
色彩设计师和色彩指定师都由基层着色人员开始。经过一年到两年的时间（按个人资质能力不同）升格为色彩设计师或色彩指定师。色彩设计和色彩指定人员最大的不同在色彩设计只要设定基本颜色（普通日照下的颜色）。配色人员要另外和副导演详细设定出其它光线下和各集所需的颜色（黄昏、夜晚、特殊光线等等）。作为动画的色彩设计及色彩指定要具有影像处理色彩的知识。因为各摄影器材显示的画质色彩不同，不全盘了解之下作设计及指定的话，在电视屏幕上显示的颜色会和在计算机屏幕上的效果大不相同而减少作品的魅力。因此基层的上色人员要花一年到两年的时间熟悉实际作业过程后才能升格作色彩指定师进而成为色彩设计师。
到目前为止制前作业以大致介绍完毕，以后的单元将分次介绍制作过程中的原画、动画及着色人员。
第九回：动画中期一（构图、原画和原画指导）
在分镜图和所有的人物设计和背景备齐后，必须有人将所有的材料放在一起画出放大的详细分镜图以便后续动作。执行这项工作的是构图人员。
您可从我们之前介绍的分镜图看出，分镜图往往只是一个草图，交代一个画面的大略景物。例如：在一个镜头里出现「小明和杰西站在运动会场中说话」，构图人员就须按照分镜图的每一格的大略指示、人物造型表及背景画出人物（小明及杰西）及背景（运动会场）的详细位置关系放大图。如果构图中指示的不清楚会影响到之后的原画作业。完成后的构图和人物造型设计表交给原画师们请他们开始按构图画出更详细的主镜画面。
原画指导的存在是因为一部作品中大多聘请2到4位原画师（依作品不同而有多有少）。每一个原画师画出来的人物都可能依个人的画风不同或绘画功力深浅而有些走样。修正各原画师们画出的原画稿并统一画风使其忠于人物设计稿是原画指导的工作。
好的原画师及原画指导必须对摄影镜头有一番研究来画好每一格主镜。**可以请演员站在适当的位置摆出导演要的姿态。但动画只能用笔画出理想的位置和人物动作。因此能力及资质好的原画师及原画指导亦指能够根据摄影及剪接的理念画出理想的主镜画面（正确的人物的姿态及动作）。而据编者所知，许多资深的原画师或原画指导都相当热爱**并对**有一番研究。
原画师及原画指导多从基层动画师做起。因为升格作原画之前必须要了解及熟悉动画的制作过程，所以新人一进动画公司作就从事原画工作是不可能的。资质好又很用功的动画人员要升格作原画师再进而作原画指导是很快的。资质不好又不努力的只好一直担任基层动画人员。
动画是一个能力导向的行业，不管从事哪个制作部分，只要够努力加强自己的能力一定会被周遭肯定的。
第十回：动画中期二（动画师）
动画师是动画业里最基层贫寒的劳工。但想要成为原画、原画指导及动画人物造型设计的有志者必须要从动画师开始做起。现今在日本动画业里享有大名的众多大师们在十多年前也是一些动画制作公司的基层动画师，领着微薄的薪水住在破破公寓吃泡面的逐梦青年。让我们来看看动画师如何修行及为何生活会如此清寒。
动画师是清理线条及画分格画面的基层员工。原画师在画完主镜后，要交给动画师来清理线条及画中间的分格动作，完稿的分格动作须经过动画检查人员看过动作没有问题后才能交给上色人员着色。画多少张分格都由原画师事前先指定好，所以动画师并不须要想主镜和主镜之间要画几张分格动画。分格动画有简单有比较复杂的。所谓简单的是单纯的嘴部动作或眼睛的动作，刚进动画公司的新人大多只有画练习。这样的简单分格画面及清理原画师画好的原画稿。
清稿及认真「练习」几个月之后才会被派比较复杂的全身分格画面，而派到复杂的分格后还要再经过1年到两年的时间才有可能成为原画师。成为原画师之后你的绘画才能才真正算是在动画界被肯定,说话也可以比较大声。在之前介绍原画师中我们提起过动画有如**，不同在动画是以笔和纸创造出导演所需的画面。因此要成为原画师之前必须先熟悉如何自由地画出人物的各种动作，进而独立构图出一张人物动作忠于人体设计适合动画制作又表现完美的主镜。这是为什么所有的制作公司要求新人待在动画师阶层一到两年的原因。
那么动画师会什么都很清贫呢？目前动画业是按完成张数来算月薪。基本上一张分镜动画稿是150日币到300日币左右。一个刚进动画公司的新手一个月大概可完成400张左右的分格动画（通常低于400张）。以最低的150日币一张来算，一个月只拿到6万日币（最多也不会超过12万日币）。这在生活费高的东京，如果不是和父母住在一起不必付房租或有一番积蓄毅力及决心可支持自己努力到成为原画师的话实在很难生活。
成为动画师并不困难也没有学历或年龄限制。快捷方式是进入专门学校,专门学校每一年会介绍毕业生给动画制作公司。但如同许多动画业前辈所说的，专门学校所学的在动画公司里派不上用场，如果自己有心想参予动画制作，不如亲自敲动画公司的大门在动画公司里学习比较不浪费时间和学费。 一年到两年的时间全看个人资质及努力程度。学得快的话只要一年，不很努力又不是很灵通的话可能要花更长的时间。
第十一回：动画中期三（着色/上色人员）
动画界另一个贫寒的阶层是上色人员。动画师及上色人员是动画制作中不可缺的人员但不可否认的地位都很低，工作很枯燥辛苦，做好了舞台灯光也照不到自己。工作内容简单的说只要按色彩设计师指定的色彩在原画师指定的部位一直涂下去而已（当然实际的上色技巧并没有这么容易）。上色人员是将所有画好的镜头剪接在一起之前的最后一个步骤。如果之前的过程有所拖延，上色人员的涂色时间就相对减少。但日本动画业里不按时间交稿是家常便饭，因此上色人员就必须常常要在短短的时间内涂好颜色赶上剪接。
目前各界常讨论的动画制作数字化通常是从这一个上色过程开始，之前的过程（除了色彩指定之外）都是手工制作。
制作过程数字化前的上色人员的工作内容是
1、将清理过的原画和动画线稿用描线机复印在赛璐板上
2、使用颜料着色
3、检查涂好的赛璐板是否涂错或污损
几年前还是使用赛璐版时，手巧的专门上色人员要很细心的在复印好线画的赛璐片上按色彩设计指定的颜色细心的赛璐片后面涂上颜色。使用赛璐璐板时，购买赛璐片、颜料等等一年都要花上制作公司一笔不小的经费。再加上画好之后，还要等胶画干了才能进行摄影剪接工作。有时没画好还要重新多画几次，既费时又费力。但是许多的动画名作还是准时完工（有的时候没有，但观众也不知道）每星期在电视上或在**院（大部份都没有，但观众也不知道）播出，这都要靠在其它国家的动画制作契约公司的力量。
制作过程数字化后的上色人员的工作内容是
1、用扫描机将原画和动画线稿存进计算机
2、清理线条
3、按色彩指定的色彩上色
在色彩设计里介绍过日本大部份的动画制作公司都使用ANIMO或RETAS!pro进行计算机上色及颜色指定（事实上任何绘图软件都可以用来做动画上色工具）。目前使用RETAS!pro的业者占八成以上。其原因是东映动画这历史悠久的动画制作大厂率先使用那套软件建立系统，进而许多制作公司都向他看齐。数字化后的上色作业的确省了很多的经费及人力。软件可以允许你在窗口里一涂在涂,节省了胶片及颜料。但事实上,由于手工过程制作人员对数字上色的不了解使上色人员的辛苦没有减少。
第一：在介绍人物设计时，曾提到过「联机」的问题。曾使用过绘图软件的读者可能知道，用软件涂色时，如果线没有连在一起，涂色会溢出指定范围。赛璐板由于是人工手绘，可以无视接线而由经验来涂好接线不明的部位。可是使用计算机之后,计算机并不会聪明的主动帮上色人员辨识接线部分。因此没连好的地方要小小的上色人员自己画上黑线修正。多加了上色时间（可是薪水还是没有增加）。
第二：计算机节省了上色的时间，增加了色彩的种类及多样。但由于前面手工过程的延迟及错误的以为上色人员可以在更短的时间内完成或修正颜色更多的画稿。使得上色人员还是很辛苦。
要成为上色人员并不困难，只要会熟悉绘图软件就可以了（碍于上述的问题，懂得绘画基础比较理想）。不过要在动画业的色彩部门占有一片天空的话,要对色彩下一番功夫研究并在动画公司实际琢磨一两年以后才有可能独立担任色彩部门的重任。
画插画怎么赚钱
插画赚钱渠道分享
1、插画供稿人：
1）视觉中国/站酷海洛
这两个平台是相对比较权威的平台。视觉中国需要签约之后在平台上上传作品，站酷海洛可以直接上传。上传时，可以选择独家或者非独家看自己的需求。虽然非独家在上面收入没有太高，但同一幅作品可以持续的售出赚钱，是一个可以持续进收入的好方式。
2）其他约稿平台网站
比如插画中国、米画师、涂鸦王国、画师联盟、美术盒子、UI中国、千图网、花瓣等等。
在这些平台上传作品，最好多关注商业热点针对性的上传，并成系列的上传，会达到加倍的效果。
2、周边产品
1）自个儿网：
在这里可以自己开店铺，那么就需要有自己的一定流量。也可以代售，代售收入分成会少很多，但可以借着平台的流量，去出售产品。这个之前简单上传过几张图，很简单的图惊喜的卖出几个单子，但是由于是代售，收入不是很高，不过也是可以持续进收入的一个小通道。
2）淘宝店合作：
在你持续的提升曝光量宣传自己之后，也会有一些淘宝店主动找你合作。店铺合作有2种方式：
你来定价
例如一个T恤店铺，他有自己的底价，会让你来定价，你赚的钱就是你定的价格减去店铺底价。
定价（你来定）=店铺底价+差价（赚取）
赚取提成
例如一个装饰画店，他会给出每个月的销售额的5%～10%，分成每个月规定时间给出。
3）自己开店：
淘宝店或者微店。这个需要自己已经自带流量，有一定的知名度，很多人非常喜欢你的画，那么就可以自己开店卖一些自己插画制作而成的周边产品。例如T恤，笔记本，手机壳，帆布包，抱枕等等。
4）出书：
插画书籍或者绘本，可以持续的拿到版税收入。
5）线下大型插画活动：
例如插画嘉年华，奇点艺术节，中国国际插画家百人展等活动。在这里不断可以卖出自己制作而成的周边产品，还可以认识很多同行业的插画伙伴，还有很多商家会到这里找插画师，会给自己的更多的可能性和机会。
3、客户找你
这就需要你持续不断的宣传和推广自己了。在不同的平台活跃发布作品，增加人脉，各个群里活跃都会给自己带来更大的机会。关于如何让客户主动找到你，如果更好的宣传自己，这一部分内容有点多，在下一篇文章在详细的说明。
4、你找客户
1）插画群
尽可能多的加入一些插画相关的微信群，会经常有插画相关的需求，当觉得适合自己时主动出击。也可以多多发布自己的最新作品，让更多人了解你，这样当有合适的需求的时候，很可能就会优先想到你了。
2）QQ外包群
QQ有很多插画类的外包群，多关注也会找到更多机会。
3）公众号投稿
有很多公众号会通过插画方式发布内容，如果觉得风格跟自己很匹配，可以主动投稿。
4）杂志投稿（绘心等）
5）招聘信息投稿
各大招聘网站中也有很多招聘插画师或者兼职插画师，尤其的绘本类的居多。
6）各大垂直绘画类网站
插画家园，涂鸦王国等一些插画相关网站，也经常有很多插画需求。
5、老师/助教
助教：可以带来一些收入的同时，还能带来巨大的人脉资源，并和老师一起共同加速成长。
老师：需要前期积累自己的绘画水平和流量，当积累到一定程度之后，就可以开始考虑开课了。常见的有直播课程（收入高），录播课（持续进收入），还有打卡活动。常见的平台有cctalk，千聊，网易云课堂，虎课网，蓝铅笔等。
6、参加比赛
站酷，UI中国，视觉中国，涂鸦王国，这几个网站经常发布很多插画相关的比赛。
学插画真能赚到钱吗？插画，可能对很多学习画画或插画的baby而言，仅仅是一门技能，但通过插画这个技能变现在我眼里真的是一件很酷的事情，所以我汇总了这篇回答～不废话，现在言归正传，上干货～一、在插画网站成为签约设计师把自己设计好的作品上传到对应的平台上，在进行打卡的同时还可以获得一定的收益，甚至可以参加一些对应平台举行的比赛活动，一般获得名次就会有金额和实物的奖励。1涂鸦王国老牌插画网站，很多插画师都知道，插画新手可在前期练习时用于打卡，别人的赞同和激励会鼓舞你更好的坚持，同时一些高手的指点会让你进步更快。这个平台会有一系列插画活动，奖品一般为奖金和手绘屏，同时也会有一些插画兼职外包，可直接对接，只要你有实力。2站酷站酷是一个多设计类型平台，插画也是一部分，但不仅仅是插画平台。这个平台适合插画技术本身不错的小伙伴，当你的作品质量较高，持续更新，可迅速积累人气和粉丝，做个人IP，会有大金主爸爸主动上门。做一个插画师的个人IP，做大做强，本身就是一种流量和变现趋势，也是我之前一直鼓励和支持的。个人IP后续变现方式主要有合作课程，合作商业插画，合作书籍插画。作者：鹿十七链接：来源：知乎著作权归作者所有。商业转载请联系作者获得授权，非商业转载请注明出处。3米画师4半次元5视觉中国6插画中国7千图网8花瓣签约成为插画网站的插画师，不需要在太多平台上同步发，只需要在3-4个平台上详细玩即可，因为每个人的精力都是有限的，在你不可能将每个平台都研究清晰的前提下，主打2-3个平台效果会更好!二、参加插画大赛获奖参加插画大赛，如果能够获奖，就会有相应的现金收入，同时部分比赛还会有一些对应的奖品。其实参加插画大赛的附加收益还有广告效应，甚至很多金主爸爸也会在插画大赛的现场来找一些适合风格的插画师或插画作品。参加插画大赛获奖，一方面可提升自我技能，同时可提高知名度，增加后续收益。10日本插画大赛日本插画大赛是由日本插画家协会组织的插画师大赛，也是日本最顶级的插画大奖赛。但是该插画大赛要求很高，作品审查与交件流程较为严谨和严格，只接受「未经商业合作或发表」的纯粹创作，是很有公信力的插画大赛。<imgsrc=""data-size="normal"data-rawwidth="1144"data-rawheight="1201"class="origin_imagezh-lightbox-thumb"width="1144"data-original=""/>上图为2019日本插画大赛的霍尔拜因奖，由中国选手HannahLi（中国）获得，来自网络，~11世界插画奖世界插画奖是由插画师协会（AOI）与插画目录（DI）共同举办的比赛，也是全球最负盛名的年度评审比赛，对所有插画家开放。12美国3x3国际插画大赛美国3x3国际插画大赛是由《3x3》当代插画杂志举办的插画大赛，《3x3》当代插画杂志也是世界最具代表的国际插画年刊之一。插画获奖者除了获得丰厚的现金奖励外，作品还将刊登在《3x3》当代插画杂志年刊中，得到世界范围的传播。对于塑造个人品牌和提升个人影响力非常有好处。13博洛尼亚插画展博洛尼亚插画展是国际水准最高的插画展之一，也是国际插画师最重要的合作和交流平台，被称为“插画界奥斯卡”，所以如果能够入选，对于塑造个人品牌和提升个人影响力非常有好处。14亚洲插画年度大赛亚洲插画年度大赛是由亚洲插画协会主办的插画大赛，也是目前广受好评的以亚洲为首的插画界首屈一指的盛大赛事，公信力和影响力非常大。Ilustratio国际插画大赛HiliIlustratio国际插画大赛由Hilibrand网站举办，该大赛已经成为亚太地区乃至世界范围内都屈指可数的重量级插画赛事，公信力和影响力很强，是提升个人品牌和影响力的优秀渠道。16英国EV＆A插画奖EV＆A插画奖由维多利亚和艾尔伯特博物馆创办的一项专门奖励年度最佳插画作品的插画大赛，但要求插画师碧玺在英国居住，或参赛作品曾经在本年度于英国公开发表/出版。17布拉迪斯国际插画双年展大奖布拉迪斯国际插画双年展大奖是世界最早最大的非商业目的插图奖，但要求提交的作品是已经出版的作品，需要提供对应的图书，并经由各国相关组织提名。所以，这个比赛逼格很高，同时也是插图领域门槛最高最重要的展览和奖项。上述这些比赛都是影响力很大的一些大赛，适合插画水平较高的插画师，对于一些初学者或插画造诣暂未达到对应水平的插画师，其实可以通过其他途径来提升自己的影响力，同时也可获取一定的收益来支撑自己的兴趣和技能提升。三、打造高逼格的个人IP讲真，我能想到插画师最持久的变现方式其实是做个人品牌，因为我个人本身也是个人品牌的实践者和受益者，所以我一如既往的是支持技能变现者去做个人品牌，因为这是一种最持久的变现方式。如何打造个人品牌呢？其实上面说的两条，都是途径之一，因为成为对应平台的签约作者或获得对应比赛的大奖，其实都是有效的背书，也是提升个人影响力的较优秀途径。那么如何积累粉丝呢？其实对于插画师而言，无论是已经初学者，还是有一定造诣的插画师而言，分享是最好的积累粉丝的方式。将你学习插画的过程不断分享到小红书、知乎、B站、微博、抖音、今日头条等各种走算法推荐的平台，系统会自动将你的作品或学习过程分发给感兴趣的人群，当你的内容比较优质且有干货性，自然会吸引一批同频的人来追随。除了赚取平台的费用外（部分平台发布内容有收益），当你的插画被有心人看到，可能会有更高质的合作，比如为书籍插画、商业插画。对于分享这块，我个人的推荐是分成三块，一块是你已经完成的作品，一块是整个插画完成的过程记录，最后一块是关于学习插画过程中的干货分享。对于内容要有连续性和积累性，不要东一块，西一块，要让别人一眼就能看出你个人IP的强干货性，坚持有用性原则。打造个人IP是个长期的过程，不可能一蹴而就，也不要想着发10篇以内的内容就能够很火，其实当你持续发几十甚至几百篇内容时很多事情都是水到渠成的。比如我们近期做小红书，一个月就积累了3K左右的粉丝，获得45万赞，但其实我还是很懒了，才发了不到20篇内容。平台汇总：18小红书19知乎20B站21微博22抖音23今日头条四、插画群、公众号、微博等渠道约稿学会搜索和资源整合的能力很多时候能帮你做成很多事情，但是很多人往往不具备这种能力。在插画群、公众号、微博、搜狗等渠道搜索对应的关键词，其实会出现很多你意料之外的事情。其实这一条我要交给你的是并不是具体的渠道，而是搜索的能力。你可以尝试在对应平台上搜索对应的关键词，就会出现很多有用的信息，也会有很多关于插画的约稿。在对应平台上搜索关键词：插画，比如在微信中直接搜索关键词：插画，就可以搜索到对应的学习和投稿平台。对应平台：24微信25知乎26小红书27企鹅群28微博29搜狗这里需要提醒的是，平台多了，鱼龙混杂，需要你有一定的筛选能力，在和对方资源对接时，一定要注意防骗，这一点我会在文章最后写清楚。五、在威客类网站找插画设计类兼职威客类网站上会有很多设计类的需求，其实也是插画师不错的一种选择，可以直接在对应的平台上搜索对应的关键词即可。可能很多baby会觉得好麻烦，还需要做这么多事情，其实在我看来这些都是有心人必做的一些事情，而且都是前置位的事情，会对后期的后置位收益产生很大的影响。对应平台：30猪八戒31一品威客32斗米直聘34智联招聘35鹿十七六、淘宝or咸鱼接单，做表情包在淘宝or咸鱼上接画头像、设计商标、文创周边产品（比如书籍插画，很多写作者需要）。在“微信表情开放平台”上传通过自己插画技术制作的表情包，通过赞赏也可以增加收入，当然，注意在制作表情包时，要结合热点，要皮一点，这样使用群体和传播性才会更强。七、素材积累和学习途径素材积累和学习途径也是我每篇内容都必须分享的内容，为什么呢？因为我觉得在前期学习和提升技能是非常有必要的，因为打铁还需自身硬是至理名言。对应素材和学习平台：36涂鸦王国37站酷38花瓣39堆糖社区花瓣网、堆糖社区主要用于素材积累，可关注一些大v，通过采集他们整理好的优质素材来充实自己素材库，素材积累非常重要。40ArtstationArtstation的风格偏向概念风、欧美风、朋克风，多是国外画师，也是积累素材的好地方。41Pinterest适合新手和低阶插画师来提高技巧，很多优秀设计师会以项目主题为中心，从项目需求、设计问题、插画的表现手法等方面逐步深入，其他插画师可以看到一些资深和高质插画师创作完整项目的全过程，这对个人插画技巧和设计思维的提升大有裨益。是世界上最大的社交分享网站，主要用处：可用于搜索特定主题的，比较精准，也很有趣。英语不好的人可利用Google翻译协助搜索，质量较高，可同于素材积累。43、B站44、知乎45、小红书写在最后：1通过插画技能变现，是通过自己技能变现，但同时需要和甲方签订合同，这样有助于维护个人权益；2签订合同时，务必仔细看合同条款，对于不明确或不太清晰的地方，要详细制定，最好能够找懂对应条例的律师朋友帮忙审查；一般在合同中要规定费用支付过程，比如敲定内容后支付多大比例的费用，完成多少数量的作品后支付多少比例的费用，全部作品完成后多久支付全部费用；3合作过程中注意注意多与甲方沟通，多沟通有助于双方协调意见，也会让自己的作品更加符合甲方的设计需求，可规避很多不必要的麻烦，注意多沟通，多沟通，多沟通；4在任何平台谈合作，都是与人打交道，自然会有各种各样的事情，注意不要想着一夜暴富，坚持劳动价值原理，注意个人财产安全，也不要被骗稿子了哟，毕竟都是辛苦劳作~5多去分享，多去传递价值，也多去互动，可能会刺痛到某些怀着“三个月成触，月入过万”梦想的人软肋，如果心灵承受能力差的，请提前绕道，点击下一个回答，但是能继续看下去的，我还是希望我的回答对你们有帮助。针对这个问题，我相信在座的各位看官都会有深刻的共鸣，也是很多人希望了解的我们从问题的源头进行一步一步分析首先，一名插画师它的收入源自哪里？大部分人会回答“当然是画画呀画画就是我的职业，为爱发电冲冲冲！”懂行一点的人会回答“无非是到公司上班或者接外包，亦或者两者相结合”好吧，你们都答对了大部分人应该都会偏向于约稿接包但是网上某某某平台，画头像200/张，日系插画2000+，漫画线稿25/格，美宣直接破万，真的有这么简单吗？年初的时候，因为公司刚接了一个国外游戏的整包项目，但是当时堆积的工作有点多，身边的朋友手头上也有其他的项目，所以我们就把一部分比较容易实现的工作发布到平台上去了，总共有60多个人应征，结果只有3个人是符合我们的要求的，其他要么风格不合适，要么水平还稍有不足。很现实的问题有两个1在数字绘画的圈子中，特别是以外包为主要收入渠道的，明显是一个僧多粥少的状态2大部分公司，有价值的溢价高的外包都会想办法自己消化，或者转给身边的人，赚一些推荐的差价，溢价低的，挂到平台上去，自然也会有相应的人去应征还有一部分公司，他们的需求不明显，所以没有特别去设立插画师的岗位，也会发布到平台上面去，但是不会特别常见。为了应证这点，我也问了一下我在业内的一些朋友A公司（主做漫画，现在有3部正在连载中的漫画）公司内有明确的岗位规划，分镜-线稿师-上色师-后期处理除了自己公司出品的漫画以外，有时会接触一些漫画的整包，基本上能自己消化的项目都自己做，员工偶尔996，一个月的平均加班工时在40-60小时，最多的是把勾线的工作发布出去，因为耗时长，难度低，溢价低，一般价格在15-25/格（不含平台抽成）如果水平OK，合作久了可以私底下进行，这样就少了中间商赚差价了B公司（主做游戏·研发）公司内只有少部分的美术岗位，发行渠道有比较明显的关系游戏，原画外包，建模外包，其他自己搞，一般都以整包的形式发布给比较靠谱的团队或专门的外包公司进行制作，规定好制作周期，至于整包发放出去之后，到最终完稿的画师手上变成几手包就没多大关系了，反正有协议，制作完成不了会商定赔偿，但是一般都不会出现到期完工不了的情况，入库公司会根据自己的制作周期去规划C公司（实体商品）还记得之前的回答有提到我有个朋友去过一家红酒公司去做他们的插画师，因为这层关系，也就了解到了，他们公司一般就是在酒的外包装上进行插画设计，工作量会比较轻松，基本一名画师就可以满足，但是诸如此类的很多实体公司，比如说做鼠标垫的，做水杯的，做零食的，很多都有可能有插画方面的需求，只是说需求不明显，所以这种时候把需求外包出去是最好的选择。所以看明白了吗，所谓平台上的外包，很多情况下是溢价低，耗时长的，或者是某些需求不明显的公司有了突发的临时需求，所以会有溢价高的外包，但是这种外包具有不稳定的因素，很难成为你长期的饭票。所以那些想着刚出社会，凭着一手自认为还行的画技，想着每天沐浴在清晨的阳光下醒来，给自己冲上一杯卡布奇诺，戴上耳机放一首舒缓的音乐，优雅的打开电脑开始一天的工作，以及计划自己下个月的长途旅行这位少年，可以醒醒了据我长久以来的观察统计，大部分能力能够达到入行门槛并且刚入行的插画师，他们在公司的平均收入是4K-6K（一二线城市），如果你并不想到公司上班，想着接单比较自由，大部分收入在3K左右，并不仅仅是外包单价低的问题，而是包源不稳定，你说如果是有正职再结合外包去做，那这样也可以，不过比较辛苦罢了所以有时候看到小破站上面的广告“三个月成为原画师，月入国外”千万别信，策划这个广告的人可能并比知道原画指的是什么，而看到广告的你却误以为原画=美宣，高大上，冲冲冲！看看就行我呸插画真的无出头之日吗？很多人看到上面的内容，已经觉得迷茫了~我是谁？我在干嘛？今晚还要画画吗？那么画画真的无出头之日吗？未必。你可以想象成绘画圈真的就像一个金字塔，金字塔以内是已经入行的人，在外围有着数之不尽的人想要进来，憧憬着里面的世界很美好，毕竟逃避社会已经是现在的主流状态了，大学专业不喜欢，混了四年，突然想到自己热爱画画，并且从小有着过人的天赋，那就试试呗然后定睛一看，发现十个里面有九个是跟自己一样的想法的。当你超越同批次的人时，你成功进去了金字塔，发现还是在底层，身边有数之不尽跟你同样困境的人，这批人吃饭不成问题，但是生活比较拮据当你在底层混了3—5年后，你发现你已经能够熟知行业的规则了，能力提高了，并且自己的人脉资源也稳定了，这个时候你才能真正的实现经济独立，不需要为秋天的第一杯奶茶发愁了，不需要为每日的生活焦头烂耳了至于金字塔的顶层，这个等你到了中层的时候你自然就懂了，很多时候除了实力以外，还需要你的自我包装，机遇等因素的插画一般应用在什么地方？既然要从事这个行业，我们首先要明白自己的能力该用在哪些地方，我们可以到什么公司去应聘，外包的甲方会是哪些人出版类插画涉及的范围类型很广，根据出版的内容进行插图的绘制，有相应的儿童刊物，商品刊物，故事刊物等各种类型的都有，而现在由于自媒体的发达，各种公众号及其他自媒体平台都对文章有着相应的插画需求，需求量自然变多。有些公司会有设立专门的岗位薪资一般在4-8K左右，看公司的规模，所处城市的综合收入以及你的能力。由于人往往都会被可视化的东西所吸引，商品对画面的需求也进一步提升，类似的商品太多的，例如手机壳、商品包装等各式各类的。岗位设立同上，如果是外包的话什么样的价格都有，例如手机壳很多喜欢用国潮风的插画，500到2000，有些喜欢用简单的猫咪100到300，看具体的画面需求广告类插画主要的有海报广告跟网页广告，具体分类根据客户的需求进行制定。\为游戏或影视作品前端进行视觉呈现化的设计，把文字转换成可视化图形，方便建模的同事进行制作。一般服务于游戏或影视公司，专门设立的原画师岗位会比较多，很少公司会把原画设定单独拎出来发包，一是游戏美术风格需要统一，这个需要主美统一好设计风格跟色系，由底下的原画师进行设定，二是反复的修改沟通比较多，如果是外包的话很难实时沟通到位，并且游戏项目一般工作的周期也会比较赶岗位：原画师（角色/场景）二线城市一般入行4K，一线4-6K，工作年限久了，一般一两年会出现涨薪，有的公司有计件工资有的没有。学生网上兼职接单画画赚钱的平台有哪些？1、米画师平台。
注册并认证成画师，发布一些自己最高完成度和最高质量的图作为展示，如果画风和价格合适自然会有甲方找门来，也可以自助搜索甲方发布的需求。这里一定要注意不要上传练习，临摹，和完成度不足的作品。
2、站酷网站。
站酷虽然以前比较偏向平面设计、广告插画等领域，但是作为国内做得越来也越好的个人插画设计师的商业接稿平台，现在也多了很多二次元的画师在上面。
画画可以接的兼职
1、画头像
画头像是最适合新手的兼职，在家就可以接单成交。一般是30-50块一张，来钱比较慢，但是可以练习与人沟通，接单和谈价的技巧。
2、漫画助理
漫画助理是初学者赚外快的最好途径之一。主笔画好草图之后，由助理勾线和上色，可以形成长期合作关系，不愁没有客源。
但是比较辛苦，要随时加班赶稿，一张的价格在50-120以内。好歹也是趁机练习的好机会，这样的工作不能错过呢。
3、插画
插画要有独树一帜的风格，画手也要有企业宣传意识、服务意识和广告传媒类的思维。通常一张500块以上，相应的专业技能要求也比较高，如果能多画得到一点小知名度，报酬可是成倍上涨。
4、游戏原画
游戏行业蒸蒸日上，对原画的需求量也提高了。如果你在学习的中后期，接游戏原画外包项目是不错的选择。一张的价格在300-900，技术过硬单张过千过万也是有可能的。
涂料的施工方法有哪些
1、刷涂。是采用毛刷进行施工的方法。刷涂是涂料施工中质量比较有保障的一种方式,而且能够节省涂料。缺点是对工人的熟练度要求高,效率偏低。
2、滚涂。采用滚筒对墙面进行施工的方法。比较适合大面积的施工,效率比较高,对工人的要求也不高。但是这种施工方法比较耗费材料,表面会出现麻面状的鱼皮效果,影响美观。
3、喷涂。喷涂有两张方式:有气喷涂和高压无气喷涂。有气喷涂容易在墙面留下很多气泡,施工的效率高,效果会比较差,不适合在室内使用。高压无气喷涂,使用专门的工具,用高压将涂料经过软管到喷枪,喷到墙面,形成光滑致密的图层。效率高,比较专业,但是涂料的浓度比较低。
4、浸涂。顾名思义,就是将器具放入到装满涂料的浸涂槽中,能够有效的避免刷痕,但是废材料。另外这种方式在工业上使用多,不适合家用。
5、淋涂。需要涂漆的元件,通过漆流中自动上漆的工艺。多用于工业上,室内装修很少用。
水性涂料可以分为哪些种
1、是以丙烯酸为主要成分的水性木器漆,主要特点是附着力好,不会加深木器的颜色,但耐磨及抗化学性较差,漆膜硬度较软,铅笔法测试为HB,丰满度较差,综合性能一般,施工易产生缺陷。因其成本较低且技术含量不高,是大部分水性漆企业推向市场的主要产品。这也是形成大多数人认为水性漆不好的原因所在。其优点是价格。
2、是以丙烯酸与聚氨酯的合成物为主要成分的水性木器漆,其特点除了秉承丙烯酸漆的特点外,又增加了耐磨及抗化学性强的特点,有些企业标为水性聚脂漆。漆膜硬度较好,铅笔法则试为1H,丰满度较好,综合性能接近油性漆。目前国内只有少数几家企业可以生产。
艺术涂料选购技巧
1、艺术涂料选购技巧——看水溶。多彩艺术涂料在经过一段时间的储存的储存后,其中的花纹粒子会下沉,上面会有一层保护胶水溶液。
2、艺术涂料选购技巧——看漂浮物。凡质量好的多彩艺术涂料,在保护胶水溶液的表面,通常是没有漂浮物的,有极少的彩粒漂浮物,氅睚常;但若漂浮物数量多,彩粒布满保护胶水涂液的表面,甚至有一定厚度,就不属正常了,它表明这种多彩艺术涂料的质量差。
3、艺术涂料选购技巧——看粒子度。取一透明的玻璃杯,盛入半杯清水,然后,取少许多彩涂料,放入玻璃杯的水搅动。凡质量好的多彩涂料,杯中的水仍清晰见底,粒子在清水中相对独立,没粘合在一的阴阳离子,粒子的大小很均匀;而质量差的多彩涂料,杯中的水会立即变得混浊不清,且颗粒大小呈有分化,少部分的大粒子犹如面疙瘩,大部分的则是绒毛状的细小粒子。质量好的艺术涂料粒子大小会很均匀。
手绘插画用什么笔上色问题一:手绘插画可以用什么方法上色马克,彩铅,水彩,彩色墨水,水粉比较常见。
不过一般手绘插画用最多的就是水彩。初学的画不用买太好的工具,但笔盯挑比较细软的毛,用手撇下毛,要有弹性。但太有弹性的毛也不好用。画水彩的纸张比一般的纸张厚。去画材店就跟staff说你要水彩用的画纸,他会给你看几种。有的人喜欢用表面粗糙有小洞的画纸,但如果你的画细节多,建议你选表面比较光滑的那种。然后注意的就是水彩是先上浅的颜色再逐步上深色。水粉的上色方法反之-先画深色的逐步画浅色的区域。不过很多插画大师也用油画或丙烯啊～
ps:话说插画本身可以用的材料非常多～mixmedia是很多人的选择。比如拼贴什么的,最后效果也很好～
问题二:手绘插画上色工具主要有水彩、水粉、或者水溶性木铅笔
我个人认为先用手绘制黑白稿,然后扫描如电脑,再用painter等软件上色这样效果会更好,有手工的感觉手写板绘画软件,有时后模拟不出一些特有的味道!
主要用线条表现,多是用绘图工具上色,或者不上色。
问题三:AI怎么画好插画,用‘画笔工具’好还是‘铅笔工具’好,上色怎么上才好20分AI是矢量绘图软件,你连矢量绘图的基本原理都没搞清楚。PS是自学的吧不然在用PS时应该接触到矢量工具的应用。你提的很多问题都是你不了解矢量制图产生的,不然只要对矢量制图原理有基本的了解就不会这么问了。你是实践走在了理论前面,自己一个人瞎捉摸。
关于你的问题我尽量简短的回答,因为问的没多大意义。等你真的了解矢量制图以后就知道我为什么这么说了。
1、矢量绘画大多数还是用铅笔工具,区别在于一个是一个一个定的节点来组成线条,另一个可以一次绘制一连串的的节点。
2、没压感,你用鼠标还是数位板看不出来。
3、上色的原理是把矢量图像转化为选区然后上色。上渐变和PS里一样。
4、“为什么用‘铅笔工具’画线”我只能说矢量就是这样,它和位图的原理不同。
5、可以画任何种类的角,只是你连最基础的操作都没搞明白才不懂怎么画。
我建议你最好先学习下PS里的矢量工具的使用,那样你就知道你问的问题多么没意思了
问题四:水彩,想要在上色之前勾线用什么笔可以不掉色嗯,只是建议啊。染色肯定是因为是水性的笔,可以试试油性马克笔细头,或者油性笔墨的签字笔。或者买只勾线笔(画国画的那种勾线毛笔),用丙烯颜料上色勾线。这些,都没有考证过的,千万别在你的作品上实验啊。不过话说。可以直接拿铅笔勾线啊,上色的话还能盖掉线型啊不是更好吗。你怕铅笔会脏了画面可以用自动铅笔,还方便你修改外形。
问题五:PS手绘板上色用什么笔刷就是自带的画笔工具吗自带笔刷足够用了,各种效果都是可以画出来的,不一定非要下载特殊的笔刷。像水彩笔刷什么的其实主要起点缀的作用。
就像平时在纸上画画那样,不要老觉得是PS(虽然确实感觉不一样)。
问题六:想学插画手绘,听一些插画师说造型和上色是最重要的,那么怎么学习造型呢100分现阶段发展到科技日益更新的年代,手绘和数码绘,都区别不大了。但各自有特点。
目前用数码绘的人比较多些,也更容易兼容很多行业。
基础方面:素描、明暗、线条、速写这些都要打打基础,才能更好的往色彩等其它方向发展。
问题七:画画时用什么铅笔上色好!现在有一种“十几种颜色的圆珠笔”对于出画明暗关系很好用,但要有一定的素描基础才会表功明暗的,彩铅是画不出明显的明暗关系来,儿童玩玩还行,插画一般是用电脑绘画的。
问题八:画漫画的时候如果要上色,用什么笔好1初上手用油性麦克笔会比较容易且漂亮。
2彩色铅笔:上色快速且方便。
3粉彩(条状):可用沾染涂抹的础式做出梦幻的感觉,可搭配其他颜料做收尾。
4水彩:有分透明和不透明
透明水彩,去美术行问,有卖质量较好的水彩,一般市售的感觉颜色不够漂亮
使用时有很多技法可以使用,注意要用好一点的纸,若用普通的影印纸很容易破或是起皱,而且吸水度等等的也都不够,上色起来不好看
问题九:这幅插画,是纯手绘还是电脑绘制还是手绘打底电脑上色这个是手绘水彩风格,现在软件和纯手绘都能画出这种效果来,两者也经常结合使用。纠结于这幅画用的什么画法不如想想你想要向哪个方向发展。
问题十:手绘的服装设计效果图怎么上色板绘,和CG插画漫画一样,很多都是手绘稿扫描后在ps或者painter,sai里面上色。但是要用到数位板。鼠标操作太麻烦,除了少数的牛人一般没那水平和耐心。
ps手绘插画教程步骤步骤详情:
PS手绘插画目的是画一个春节氛围的福袋,核心知识点是体积的塑造,整体氛围的把控,使用到的工具是ps(cc2014)和数位板相结合。
打开软件PS,Ctrl+N新建一个画布,接着新建图层,使用画笔工具先绘制出画面的草图线条。
接着新建图层,使用椭圆选区工具按住Shift键绘制出圆形选区,调整颜色为**,Alt+Delete对选区填充颜色,Ctrl+J复制三层,调整好圆形的位置。
接着Ctrl+J复制一个**的圆形,调整颜色为红色,使用油漆桶工具填充红色,将Ctrl+T选中将圆形缩小,Ctrl+J复制三层,调整好圆形的位置。使用对齐工具将他们对齐分布。
新建图层作为红色圆形图层组的剪切图层,使用画笔工具在下半部分对颜色进行加深,接着复制一组**的圆形,Ctrl+E合并图层,Ctrl+U调整色相饱和度,将颜色加深,将位置下移。
同样的方式复制红色的圆形,Ctrl+E合并图层,Ctrl+U调整色相饱和度,将颜色加深,位置上移一点,选中图层Ctrl+G合并图层。
继续新建图层,使用椭圆选区工具绘制一个圆形选区,填充红色,Ctrl+T选中,右键选择变形,对圆的形状进行调整。
接着使用画笔工具调整颜色,绘制出福袋口的形状,新建图层作为福袋图层的剪切图层,使用画笔工具选择噪点的笔刷,绘制出暗部的颜色,新建图层,使用画笔工具选择**,绘制出袋口绳子的形状。
继续新建图层,使用画笔工具绘制出绳子的形状,新建图层作为绳子图层的剪切图层,图层模式选择正片叠底,使用画笔工具绘制出暗部的颜色条。
着新建图层,使用椭圆选区工具绘制一个圆形选区,填充**,锁定图层的透明像素,使用画笔工具选择噪点的笔刷,绘制出上面的纹理,接着Ctrl+J复制两层圆形,调整圆形的颜色。
新建图层,使用画笔工具绘制出方形的形状,锁定图层的透明像素,使用画笔工具绘制出渐变的颜色,接着建立剪切图层,使用画笔工具绘制出里面的红色矩形。
如果，你有做动画的软件就这样做：第一回:制前作业第一步的前一步
普通在进行普通所谓的动画制作之前，常有一段为时不短(或有点痛苦)的制前作业。制前作业是指要开始制作的准备工作但是制前的前面呢
制前的前面是 企划
「企划」又分为两种。第一种是在每一年度的企划会议里，动画公司的老板或有点伟大有点发言权的制作人看到一本颇有趣又出名的漫画或小说，觉得拍成动画应该会蛮赚钱的，于是就打电话给代理那本被相中的漫画或小说的代理商问问看是否拍成动画的权利已卖出,如果没有那就开始进行「有时长有时短有时痛苦有时快乐」的权利交涉。如果您在动画的片头一开始看到「原作」这两个字大都是属于这类型。
另外一种是动画公司旗下的导演或动画家们觉得自己天马行空胡思乱想不画画不按时交稿作白日梦的结果拍成动画应该颇有趣的就自己开始写企划书然后交给老板过目。幸运的，企划通过的话，就由老板或制作人四处奔波找金主啊，不是，赞助商来一起响应伟大的企划。如果您在动画的片头看到「原案」二字大都是属于这类型。
请不要问如果交涉不成功或企划没通过的时候怎么办。答案很简单:交涉不成功就找下一个目标，企划不通过那就写别的企划。
第二回:交涉成功或企划通过后
让我们先谈原案企划通过的状况下动画公司的下一步骤。
动画公司基本上都没有独立制作动画作品(不管是TV或OVA)的经费,因此动画公司想要作原案作品时最重要的是提出企划给赞助商(1)看他们有没有兴趣投资。如果赞助商对动画公司提出的新作品企划没兴趣或认为此商品(2)没有市场价值,那么那企划100%不会再见天日。
相较于原案,原作(3)的动画企划通常会比较容易通过赞助商那一关。因为原作基本上已有固定的顾客群(4),赞助商们比较有心理上的保障而愿意投资将原作改编成动画而由贩卖相关产品来回收投资。
那么企划以什么样的形式提出给赞助商呢
以美国的制作公司来说,他们会先制作Pilot Film。所谓Pilot Film是指作品的精华短片,那是提出给赞助商说服他们投资时的主要利器。但是在日本,动画公司通常没有制作Pilot Film的经费往往是以纸张形式的企划书或脚本呈交给赞助商。因此在制前作业之前可能脚本就已经完成了。因为越让赞助商了解原案作品的“有趣之处”就越能打动赞助商的心而得到制作经费。
1:赞助商-Sponser通常指影视制作公司,如Bandai Visual,Pioneer LDC 或 Kind Record等等。传统上,动画制作公司只是影视制作公司要制作动画作品时的外包商。动画制作公司主动提企划争取制作经费是最近一,二十年以内的事。
2:商品:不可否认的任何娱乐影视作品都是一种商品,只要看目前流行的动画或**作品就不难了解。
3:原作:包含漫画,电玩游戏,小说。
4:顾客群:受欢迎漫画家、小说家或电玩的狂热爱好者。
第三回:如何计算制作经费
理论上的计算程序很简单。
假设某一家影视公司估计一部动画作品(指一部30分钟的DVD)可卖1,000套,再假设一张DVD卖4,000日币,1000套 x ￥4000 = ￥4,000,000
那4百万日币就是制作经费。分给各制作部门的经费通通包含在这4百万日币中。例如我们之后会介绍的动画导演,人物造型设计师,分镜图人员,主镜动画师,基层动画师,音乐设计,色稿人员,编辑人员,包装设计等等等等。
这样说来,计算经费好像很简单。但是实际上,如何估计一部动画作品可销售多少套那就要靠影视公司制作人的销售经验,动画导演的知名度,人物造型设计师设计人物的魅力和声优的热门程度。这些人为因素使得估计制作经费成为一件不是简单的事。例如某有名的导演导的动画**每一部都成为日本**票房纪录还会在国际影展中得奖,那么赞助商给他的制作经费就会高出其它作品很多。制作经费充裕之下他就可以多加镜头的张数,请较有名的声优(或演员)和音乐制作群来提高商品的知名度和宣传效果。如果是一位没有「业绩」的新人,那么经费就可能比较少了。因为影视公司没有比较的基准(新人的业绩)所以对这新企划的投资会比较谨慎。
第四回:制前作业一:脚本(1)
从下面析图来看,我们已大致在前几回说明了制前作业之前几个重要的步骤。从这一回开始,我们将要开始逐一说明制前作业的流程。如图可见,第一个也是最重要的步骤是「脚本」。所有的人物设计(2),机械设计(3)和美术设计(4)及导演均要照着脚本来构图。因此在不管是什么样的企划,脚本在制作过程中占了相当重要的角色。
我们在第二回中提过脚本可能在企划案阶段就已经完成。那样的情况下,企划通过后脚本是否再度修正呢 这要看制作人和导演的意见。在左边的图中可见到制作人(5)三个大字。负责一部动画作品成败与否是制作人。因此,如果制作人对脚本有意见(不够吸引人)脚本作家(6)就要修改脚本。当然如果导演对脚本有意见而制作人也赞同导演的意见时,脚本的修改也是必然的。再者,虽然导演不同意初步脚本而制作人认为没有必要修改的话,脚本就不会被修改。
一般的动画公司都没有专属脚本作家,大部分是请自由身分作家(这些作家们有的是作 SOHO族,有的是和几位志同道合的作家成立工作室,如有名的Studio Orphy)来写稿。不雇用专属作家的原因是因为脚本并不是一年到头都需要的部门。所以只要在有需要的时候和脚本作家签项目契约即可。不过少数历史比较悠久的传统动画制作公司里仍然有专属脚本作家部门。
脚本的写作并不是一件简单的事。不同于小说的是所有的人物动作及感情都需要以旁观者的身分详细描述,例如一个角色很生气, 由于每一个人生气的方法不同所以不仅要描述他如何生气也要非常详细地描述他的动作来说明角色的个性和特征(例如:太郎火冒三丈=太郎握紧了拳头,眼睛咪成一条线,额头的汗如何如何的滴下,头上的火如何冒三丈)。脚本特殊的写作方式使得一位小说家有时并不能成为好的脚本作家。而好的脚本作家也不多见。
第五回:制前作业二:导演的工作(1)
导演是整个动画制作群的领队。日本动画业界里没有一定的基准来评断做导演的资格。目前出名的导演们成为导演的过程都不相同,有些是从**业界转行,有些是从动画师做起,也有些是脚本作家兼导演,也有些是一开始就从事导演工作。大致上来说动画初期时代的导演大部分是从制作管理(2)参予动画制作多年后升格做导演或**业转行开始。但随着时代的迁移,目前大部分的动画导演都是由动画师开始做起。做导演的魅力在于可以自己决定作品的方向。但是由于导演决定一切,工作繁忙且作品的成败大任也在于导演身上。因此并不是每个参予动画制作的人最终目标在于做导演。而有心想要成为导演的人不管从什么工作开始,只要有心,成为导演并不是困难的事。
以下为导演们实际工作的大略内容:
1、制前作业:
和脚本作家及制作人敲定脚本
分别和人物造型设计师、机械造型设计师、美术设计师开会将各设计案定稿
制作分镜图(3)(有时是副导演制作)
2、制作过程中要和副导演(4)们谈每一集的制作方向
3、制后作业:
和剪接师编辑影片
指导声优们及音响导演制作出理想的效果
影像及音效合成。
4、参予所有的宣传活动
问:「一部动画制作要花多少的人力和物力」
答:以单纯的一部26分钟的OVA动画来说,最少要150人。至于物力,我们将会在介绍这主要的150位制作成员时逐一介绍各成员所需的物品。
第六回:制前作业三:分镜图(1)和副导的工作(2)
以下为日本的分镜图(欧美多为横向的表格,您可以在美国的Cartoon Network网站中的Studio Tour的「Animation」项目中略知一二)。分镜图简单的来说是「以图像呈现的脚本」。画分镜图的时间靠制作日程表的不同而有长有短。平均26分钟动画的分镜图要花3个星期完成。分镜图不需要很正确的将人物造型画出来,只要能让之后的工作人员看的懂就可以了。尽管如此,分镜图师还是需要事先练习每一部作品人物造型和了解作品的特色才让原画师(3)靠着分镜图正确的画出每一集副导演所需的镜头。
常常可以见到分镜图师和副导为同一人物。理由很简单。因为图面的设计人(分镜图师)通常是最了解每一个镜头需要的效果和声优演技来衬托出作品魅力的人。所以分镜图师大多兼副导的工作。
副导演基本上分担导演的重担。不管是集数较少的OVA系列或是26集的电视动画系列,导演一个人要顾全所有的制作细节是不可能的事。因此每一部动画系列都设了副导的位子来管理每一集的动画制作。而导演多半负责重要的第一集及最后一集。副导的工作内容除了不负责制前的脚本,设计稿和制后的宣传活动之外,基本和导演相同。但由于导演是整个作品的总指挥,因此在副导负责每一集的制作之前,副导所画的分镜图还是要经过导演的同意后才能正式分派工作给原画师进行制作。
注:
1分镜图:英文:Storyboard
2副导演-英文:Assistant Director, Episode Director 日文:演出(Ennshutu)
3原画师-英文:Key Frame Animator 日文:原画(genga)
第七回:制前作业四:人物设计(1)和人物设计师(2)的工作
动画制作是一个需要密切配合的团体活动。因此 一部好作品除了有好的脚本,经验丰富的导演,当然,具有魅力的人物造型是使作品更吸引人的重要因素。在本单元的第一回我们曾解说过动画作品有两种-原作及原案。人物造型的设计也因此而有不同。
将原作漫画改编成动画时,因为人物及服饰已经定型,所以并不需要再多加设计。可是为什么每一原作动画还是标明了「原作人物设计」及「动画人物设计师」呢 第一,漫画是静态的作品,因为格数少所以人物的线条及服饰可以复杂来加深作品的美感及印象。但是制作动画时,如忠于原作人物的线条会使作画的时间加长而延长制作时间(及更多的经费),所以需要将原作人物的线条简化。第二,漫画人物因为不必着色,所以不必将每一线条连结。但是动画需要着色,所以必须改良原作人物造型将所有的线条连结以便着色人员(3)上色。第三,有一些原作漫画人物造型并不适用于动画作品。为了制作效率,着色上及动画造型上的理由,原作动画需要另外聘用动画人物设计师。
原案动画的人物设计是比较需要创意及困难的工作。原案人物的设计案在交给人物设计师设计时都只是文字及导演口头上的指令(4)。所以设计师只有靠脚本及自己绘图的能力来凭空设计出能够衬托出作品故事魅力并令人印象深刻的人物。此外还要考虑到制作效率的问题而不能画出线条太复杂的人物。因此,就算资深的造型设计师也有可能花一段时间(5)才能定稿。
制前作业的人物设计完成后的人物设计图(请参考「冥王计划」网站里所列出的人物造型设计)。将分发给原画师来进行每一个镜头的制图作业。一个人物的设计图分为三种:服饰设计图, 脸部表情设计图及局部装饰设计图。所有的设计通常分为正面,侧面,背面,及特殊表情(生气,悲伤或微笑等等)以便原画师模拟。
如何成为人物设计师呢根据AIC的资深设计师们的说法：「很简单啊。一直练习一直画就可以了!」嗯事实上不是那么简单。同样的一个人物,每一个人画出来的风格都不同,有些吸引人,有些就看来平淡无奇。实在要如同他们所说的需要一直练习和磨练才能显出不同的风格。而且光是女性角色或只有动物画的很好并不一定能作为动画人物设计师。人物设计师的重要条件是要能广泛的画好作品指定的每一种人物,也就是说设计师的绘画能力要很有弹性的能应付每一个作品的要求。如果能充分应付制作公司的要求,再加上自己设计的原创人物够吸引人,就能成为众所瞩目的动画人物设计师。
人物设计师们需要的工具可以由上的照片看出。制图桌,铅笔,橡皮擦和一迭白纸是最基本的配备(有点废话^_^。另外镜子是必需配备,因为人物的动作及部位有时需要看镜子里的自己来素描。其它的参考书籍及制图工具完全看每个人物设计师的需求,在这里就不详细描述了。
注:
1人物造型→英文:Character Design
2人物造型设计师→英文:Character Designer
3着色人员→英文ainter 日文:仕上(shi A Ge)
4据编者的经验,导演对人物造型的要求都不很明确,例如:「这个角色要兼具大人及小女孩的魅力,有点可爱又不是太可爱,就这样。大概X个星期后交出来。」就算如此,大部分功力深厚的设计师还都画得出理想的造型这是资深人物造型设计师厉害的地方。
5从交给设计师设计到定稿的时间依每个作品不同而有长有短。快又好的设计师可能在一星期后就能交出基本草案进行修正工作,慢又好的设计师就可能花更长的时间。平均定稿的时间为一个月。但是这完全靠制作案的情况而定,不可一盖而论。
第八回:制前作业五:机械设计和背景设计师的工作
多年前还没有专门的机械造型设计师。大多是由人物造形设计师兼任或由比较擅长电器机械之类的动画师设计。从「宇宙战舰大和(Space Battle Ship YAMATO)」之后到「钢弹勇士(高达)GUNDAM」才真正定位专业机械造形设计师。
机械设计师在动画制作上必须考虑到很多因素来设计每一部动画要求的机械造型。第一要在平时做很多的功课以满足接踵而来的多样的设计要求。第二要考虑到制作的日期及进度而设计「适当」线条的机械造型。所谓「适当」线条是因为如果线条多的话，虽然机器人或宇宙船看起来很COOL, 但动画师们画好一个镜头的时间会相对加长。可是线条太少的话，机械人又看起来太简单没魄力,因此作设计时适当的线条是很重要的。最后是对每一个动画世界的考察而了解并设计出能满足导演要求的机械战士或宇宙船。
要作为机械造型设计师的条件是必须有工业设计方面的知识及非常非常喜欢机械(例如汽车,摩托车,飞机,船只要是金属做的)。
背景设计师比起机械造型来历史相当悠久，早从黑白卡通草创时代开始就有专业的背景设计师。背景设计师基本上要画的「又好、又快、又美」。那是我在这个单元一再提到的原因，动画制作的时间有限没有很多时间慢慢画，因此受欢迎的专业美术背景设计室动作都很快而且能应付紧迫的交稿日期。如何成为背景设计师呢 这和作人物造型，机械造型师相同，要很爱画画而且躺着画也能画的很好(有点夸张,但动画业的时间很紧凑，能够在任何情况下一次OK的设计师虽然很少但相当受欢迎)。至于技巧或工具方面,
注:
1机械造型→英文:Mechanic Design
2背景设计→英文:Background Arts
第九回
制前作业六:色彩设计及色彩指定的工作
所有的人物造型及机械造型设计完之后，导演及造型设计师们必须和色彩设计师共同敲定人物的色彩(头发,各场合衣服或机器人外壳的颜色等等)。色彩设计必须配合整篇作品的色调(背景及作品个性)来设计人物的颜色。色稿敲定之后由色彩指定人员来指定更详细的颜色种类。
多年前还没有使用计算机上色时，是使用水彩颜料在白纸上来进行色彩设计(如左图)。水彩颜料的色彩多半不由各制作公司自行调色，都按颜料公司提供的色卡和现成的色彩种类来设计。不自己调色的原因很简单，因为色彩设计之后要由着色人员们来上色，如果自己调色的话，要各上色人员调出一样的颜色是很困难的。当然导演要求及经费允许情况下，制作公司可以要求颜料公司制作出所需的颜色再瓶装分发给上色人员。由于颜色的种类在色彩设计过程之前已经由颜料公司指定了，因此多年前色彩设计师均兼任色彩指定人员。而许多动画的色彩也看起来都一样。
现在的动画色彩设计及色彩指定都使用软件来进行(如右图)。各公司使用的软件(日本较盛行的动画专用软件为animo和RETAS!PRO)都不同，只要是处理影像的软件都可以进行色彩设计。要注意的是，各软件处理色彩的方式不同因此在交付给上色人员时要指定同样软件来着色。也由于制作方式的数字化以及选色的自由，使得目前的色彩设定选择范围加大及定出更为细腻多变化的色彩。
色彩设计师和色彩指定师都由基层着色人员开始。经过一年到两年的时间(按个人资质能力不同)升格为色彩设计师或色彩指定师。色彩设计和色彩指定人员最大的不同在色彩设计只要设定基本颜色(普通日照下的颜色,如左图)。配色人员要另外和副导演详细设定出其它光线下和各集所需的颜色(黄昏,夜晚,特殊光线等等。) 作为动画的色彩设计及色彩指定要具有影像处理色彩的知识。因为各摄影器材显示的画质色彩不同，不全盘了解之下作设计及指定的话,在电视屏幕上显示的颜色会和在计算机屏幕上的效果大不相同而减少作品的魅力。因此基层的上色人员要花一年到两年的时间熟悉实际作业过程后才能升格作色彩指定师进而成为色彩设计师。
注:
1色彩设计→英文:Color Design 日文:色彩设计/色彩设定
2色彩指定→英文:Color Setting 日文:色指定
3计算机上色→英文igital Painting
第10回:制作过程一:构图，原画及原画指导的工作
在分镜图和所有的人物设计和背景备齐后，必须有人将所有的材料放在一起画出放大的详细分镜图以便后续动作。执行这项工作的是构图人员。
您可从我们之前介绍的分镜图看出，分镜图往往只是一个草图，交代一个画面的大略景物。例如:在一个镜头里出现「小明和杰西站在运动会场中说话」，构图人员就须按照分镜图的每一格的大略指示、人物造型表(例)及背景画出人物(小明及杰西)及背景(运动会场)的详细位置关系放大图(如下图,多为A4大)。
如果构图中指示的不清楚会影响到之后的原画作业。完成后的构图和人物造型设计表交给原画师们请他们开始按构图画出更详细的主镜画面(如本文最后的原画图例(4)。您可从例图中看出小明渐渐往镜头方向跑近最后完成如左边构图例一样的拿着毛巾开始和杰西说话的镜头)。
可能有人会问为什么最后一个主镜没有嘴巴。
如构图例所示，这个镜头是「小明跑向杰西→站在杰西前面→和杰西说话」。这个原画图例(「小明跑向杰西→站在杰西前面」)的最后一张主镜是「站在杰西面前」。而接下去的「开始说话」的部分里只有小明的嘴部有动作所以分开来画只有嘴部动作的主镜。分开画好的嘴部动作经由剪辑重迭在「站在杰西面前」这个主镜上就可以完成这个镜头了。
原画指导的存在是因为一部作品中大多聘请2到4位原画师(依作品不同而有多有少)。每一个原画师画出来的人物都可能依个人的画风不同(或绘画功力深浅)而有些走样。修正各原画师们画出的原画稿并统一画风使其忠于人物设计稿是原画指导的工作。
好的原画师及原画指导必须对摄影镜头有一番研究来画好每一格主镜。**可以请演员站在适当的位置摆出导演要的姿态。但动画只能用笔画出理想的位置和人物动作。因此能力及资质好的原画师及原画指导亦指能够根据摄影及剪接的理念画出理想的主镜画面(正确的人物的姿态及动作)。而据编者所知,许多资深的原画师或原画指导都相当热爱**并对**有一番研究。
原画师及原画指导多从基层动画师做起。因为升格作原画之前必须要了解及熟悉动画的制作过程，所以新人一进动画公司作就从事原画工作是不可能的。资质好又很用功的动画人员要升格作原画师再进而作原画指导是很快的。资质不好又不努力的只好一直担任基层动画人员。
动画是一个能力导向的行业,不管从事哪个制作部分,只要够努力加强自己的能力一定会被周遭肯定的。
动画师是动画业里最基层贫寒的劳工。但想要成为原画、原画指导及动画人物造型设计的有志者必须要从动画师开始做起。现今在日本动画业里享有大名的众多大师们在十多年前也是一些动画制作公司的基层动画师,领着微薄的薪水住在破破公寓吃泡面的逐梦青年。让我们来看看动画师如何修行及为何生活会如此清寒。
动画师是清理线条及画分格画面的基层员工。原画师在画完主镜后，要交给动画师来清理线条及画中间的分格动作,完稿的分格动作须经过动画检查人员看过动作没有问题后才能交给上色人员着色。画多少张分格都由原画师事前先指定好，所以动画师并不须要想主镜和主镜之间要画几张分格动画。分格动画有简单有比较复杂的。所谓简单的是单纯的嘴部动作或眼睛的动作，刚进动画公司的新人大多只有画(练习)这样的简单分格画面及清理原画师画好的原画稿。清稿及认真「练习」几个月之后才会被派到如例图1这样比较复杂的全身分格画面，而派到复杂的分格后还要再经过1年到两年的时间才有可能成为原画师。成为原画师之后你的绘画才能才真正算是在动画界被肯定,说话也可以比较大声。在之前介绍原画师中我们提起过动画有如**,不同在动画是以笔和纸创造出导演所需的画面。因此要成为原画师之前必须先熟悉如何自由地画出人物的各种动作,进而独立构图出一张人物动作忠于人体设计适合动画制作又表现完美的主镜。这是为什么所有的制作公司要求新人待在动画师阶层一到两年的原因。
那么动画师会什么都很清贫呢目前动画业是按完成张数来算月薪。基本上一张分镜动画稿是150 日币到300日币左右一个刚进动画公司的新手一个月大概可完成400张左右的分格动画(通常低于400张)。以最低的150日币一张来算,一个月只拿到 6万日币(最多也不会超过12万日币)。这在生活费高的东京，如果不是和父母住在一起(不必付房租)或有一番积蓄(毅力及决心)可支持自己努力到成为原画师的话实在很难生活。
成为动画师并不困难也没有学历或年龄限制。快捷方式是进入专门学校,专门学校每一年会介绍毕业生给动画制作公司。但如同许多动画业前辈所说的，专门学校所学的在动画公司里派不上用场,如果自己有心想参予动画制作,不如亲自敲动画公司的大门在动画公司里学习比较不浪费时间和学费。
第12回:制作过程三:着色/上色人员
动画界另一个贫寒的阶层是上色人员。动画师及上色人员是动画制作中不可缺的人员但不可否认的地位都很低，工作很枯燥辛苦，做好了舞台灯光也照不到自己。工作内容简单的说只要按色彩设计师指定的色彩在原画师指定的部位一直涂下去而已(当然实际的上色技巧并没有这么容易)。上色人员是将所有画好的镜头剪接在一起之前的最后一个步骤。如果之前的过程有所拖延,上色人员的涂色时间就相对减少。但日本动画业里不按时间交稿是家常便饭,因此上色人员就必须常常要在短短的时间内涂好颜色赶上剪接。
目前各界常讨论的动画制作数字化通常是从这一个上色过程开始,之前的过程(除了色彩指定之外)都是手工制作。
制作过程数字化前的上色人员(如左图)的工作内容是
1,将清理过的原画和动画线稿用描线机(Trace Machine)复印在赛璐板上
2,使用颜料(Anime Color)着色
3,检查涂好的赛璐板是否涂错或污损
几年前还是使用赛璐版时,手巧的专门上色人员(如图)要很细心的在复印好线画的赛璐片上按色彩设计指定的颜色细心(小心)的赛璐片后面涂上颜色。使用赛璐璐板时，购买赛璐片、颜料等等一年都要花上制作公司一笔不小的经费。再加上画好之后,还要等胶画干了才能进行摄影剪接工作。有时没画好还要重新多画几次，既费时又费力。但是许多的动画名作还是准时完工(有的时候没有,但观众也不知道)每星期在电视上或在**院(大部份都没有,但观众也不知道)拨出，这都要靠在其它国家的动画制作契约公司的力量。
制作过程数字化后(如图)的上色人员的工作内容是
1,用扫描机(Scanner)将原画和动画线稿存进计算机
2,清理线条
3,按色彩指定的色彩上色
在色彩设计里介绍过日本大部份的动画制作公司都使用ANIMO或RETAS!pro进行计算机上色及颜色指定(事实上任何绘图软件都可以用来做动画上色工具)。目前使用RETAS!pro的业者占八成以上。其原因是东映动画这历史悠久的动画制作大厂率先使用那套软件建立系统,进而许多制作公司都向他看齐。数字化后的上色作业的确省了很多的经费及人力。软件可以允许你在窗口里一涂在涂,节省了胶片及颜料。但事实上,由于手工过程制作人员对数字上色的不了解使上色人员的辛苦没有减少。
第一,在介绍人物设计时,曾提到过「联机」的问题。曾使用过绘图软件的读者可能知道,用软件涂色时,如果线没有连在一起,涂色会溢出指定范围。赛璐板由于是人工手绘,可以无视接线而由经验来涂好接线不明的部位。可是使用计算机之后,计算机并不会聪明的主动帮上色人员辨识接线部分。因此没连好的地方要小心的上色人员自己画上黑线修正。多加了上色时间(可是薪水还是没有增加)。
第二,计算机节省了上色的时间,增加了色彩的种类及多样。但由于前面手工过程的延迟及错误的以为上色人员可以在更短的时间内完成或修正颜色更多的画稿。使得上色人员还是很辛苦。
要成为上色人员并不困难,只要会熟悉绘图软件就可以了(碍于上述的问题,懂得绘画基础比较理想)。不过要在动画业的色彩部门占有一片天空的话,要对色彩下一番功夫研究并在动画公司实际琢磨一两年以后才有可能独立担任色彩部门的重任。
.jpg)
